vous y croyez, vous? - [TV]

Mais dernièrement, j’ai retrouvé ce plaisir grâce à 3 séries au rythme de leur diffusion aux Etats-Unis : la saison 3 de Lost qui en est à son 20^e épisode, la première saison de Heroes (dont le dernier épisode sera diffusé lundi prochain) et Jericho que j’ai pris en route il y a peu.

Hier, je m’apprêtais à regarder l’épisode de la semaine passée (le 22^e). Je m’installe confortablement et profite de la balade qui se termine sur un énorme point d’interrogation. Impatient de connaître la suite, je vais consulter le site de CBS pour voir combien d’épisodes seront encore diffusé avant la fin de la saison et je découvre avec consternation que ce 22^e épisode est aussi le dernier.

Je venais de regarder sans aucune préparation le dernier épisode de la saison dont la fin est loin d’en être une !

Mais pire, je découvre que CBS annonce officiellement qu’il n’y aura pas de seconde saison !

Et pan… encore une autre de ces séries qui ne connaîtra jamais de dénouement (faisant suite à Surface ou Carnivale, par exemple).

L’action se déroule à Jericho, une petite ville rurale du Kansas. Un beau jour, les habitants de la ville observent un magnifique champignon atomique au loin, sur ce qui est probablement Denver. Rapidement, il va apparaître que cette explosion n’est pas un accident isolé mais le résultat d’une attaque terroriste de grande envergure sur l’ensemble du territoire américain. Commence alors à Jericho et partout sur le territoire des Etats-Unis une lutte sans merci pour la survie dans un monde retombé plusieurs siècles en arrière.

L’histoire a un petit air connu : la survie dans un monde post-apocalyptique qui a été décliné de nombreuses façons dans des romans (Malevil de Robert Merle, La mort blanche de Frank Herbert ou encore Le fléau de Stephen King), des films (ne citons que Mad Max) ou des BD (Jeremiah). Comme souvent, le chaos engendré fait ressortir le pire et le meilleur de chacun.

Le tout pivote autour de plusieurs personnages clés : Jake un mauvais garçon ténébreux joué par Skeet Ulrich dont on se souvient du rôle dans Scream (même s’il n’a jamais réellement décollé après cela), qui revient en ville après des années d’absence, Robert Hawkins, un nouvel arrivant qui semble en savoir plus qu’il ne le laisse supposer ou encore Johnston Green, le maire de la ville (joué par un magistral Gerald McRaney déjà remarqué dans Deadwood).

L’intérêt de Jericho réside dans l’origine de ces explosions et la série joue avec succès sur le mystère entretenu et la divulgation d’informations. Chaque information fournie est généralement contrebalancée par un nouvel aspect du mystère (même si la clé semble une fois de plus être la thèse du complot gouvernemental… finalement on n’a rien inventé de nouveau depuis X-files).

Maintenant, si la série ne doit vraiment pas connaître de suite, cette première saison perd tout son attrait puisqu’elle laisse de trop nombreuses questions en suspens et ne se clôture pas proprement.

Dommage.

Cette série s’intègre parfaitement dans l’actualité américaine largement exploitée dans les films et les séries (ne citons que Jericho ou 24), à savoir la peur du terrorisme après 11 septembre exacerbée par la politique américaine au proche orient.

Sleeper cell est avant tout une série de divertissement sans pourtant tomber dans l’excès de 24 ou dans le grotesque de Desperate housewives (il m’a suffit d’un seul épisode de la troisième saison pour en être dégouté), mais un divertissement tout en nuance.

On y suit les aventures du seul agent du FBI infiltré dans une cellule terroriste islamique dormante sur le territoire américain.

On y découvre un monde a faire frémir les américains pro-Bush: un groupe de fanatiques, parfaitement intégrés dans la société, de l’américain de pur souche au français en passant par un serbe. Tous sont animés par la même haine des Etats-Unis mais tous sont arrivés par des chemins différents.

Notre agent infiltré devra faire de nombreux sacrifices pour gagner la confiance de ses pairs et tenter d’arrêter une opération de grande envergure à faire pleurer Jack Bauer ou faire passer le 11 septembre pour une minable petite répétition.

Mais le véritable atout de cette série est la vision présentée de l’Islam : à travers la foi de l’agent ou encore des nombreux personnages secondaires que l’on croise au fil des épisodes. Les choses sont remises dans leur contexte:  oui de nombreux terroristes agissent au nom de l’Islam mais le message du Coran et la grande majorité des musulmans n’est pas la destruction, que tout cela n’est que propagande et détournement du message original à des fins politiques. La série fait le procès du terrorisme mais aussi de l’Amérique et de ses actions qui ne font que créer plus de peur, de colère et d’envie de revanche. La conclusion étant que le changement ne viendra pas par les armes mais bien par l’éducation et que celui-ci devra se faire à l’intérieur de l’Islam.

Sleeper cell est un excellent divertissement dont les 9 épisodes forment un tout sans tirer sur la corde (ce que l’on peut reprocher, par exemple, à Prison break, qui aurait fait une excellente mini-série mais devient ridicule en 24 épisodes). Pour cette raison, je suis assez sceptique quand à la réussite d’une seconde saison. Mais j’essayerai malgré tout.

Cela a été particulièrement efficace avec une collègue espagnole a qui j’ai donné un DVD avec 6 épisodes de Heroes et 6 épisodes de Jericho (qui m’avait été fourni par mon dealer habituel, mon ami Chuck).

Depuis, elle est comme folle. Elle suit ces deux séries avec une passion inégalée. Elle est capable de regarder 10 épisodes d’une série de suite et se procure les épisodes nouveaux sans attendre plus de quelques heures après leur diffusion aux Etts-Unis.

Encore plus fort, elle transmet aussi ce virus autour d’elle, en parlant avec fougue mais surtout faisant tourner le DVD accrocheur que je lui avais donné.

Mais je lui avais passé un autre DVD avec 6 épisodes de la troisième saison de Lost, qu’elle n’a pas regardé puisqu’elle n’avait pas suivit les deux premières mais aussi 6 épisodes de Dexter.

Curieusement, elle n’a pas accroché à cette dernière série, qu’elle a trouvé trop sanglante et effrayante.

Et il faut bien avouer les choses comme elles sont : Dexter est vraiment en série pas comme les autres. C’est un petit diamant brut dans le monde des séries qui devient pourtant de plus en plus formaté, effet secondaire de son succès et de sa popularité.

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Dexter est un jeune homme charmant. Il travaille comme spécialiste du sang dans la police scientifique de Miami. Une sorte de tradition familiale puisque sa sœur et son père sont également dans la police. Il partage la vie d’une jeune mère divorcée d’un mari violent avec laquelle il fait preuve de trésor de patience.

La série est centrée sur le service de police alors qu’il doit faire face à un tueur en série qui a la particularité de vider ses victimes de leur sang et de les découper en petits bouts pour les présenter artistiquement dans divers endroits.

Policiers et scientifiques se lancent alors sur sa piste.

Pas très original me direz-vous ?

Je ne saurais qu’abonder dans votre sens. Il s’agit d’un scénario digne d’un épisode des Experts vaguement combinés avec une version édulcorée de The shield. En plus, les acteurs ne sont pas tous convainquant, en particulier Jennifer Carpenter qui joue le rôle de la sœur de Dexter, sorte de Susan dans Desperate housewives, qui est totalement exaspérante et aussi convaincante en super flic que Vandamme en physicien nucléaire.

Oui, mais !

Dexter est bien plus que ce qu’il semble être !

Dexter est un maître du déguisement. Sous ses allures de gendre parfait se cache un psychopathe, totalement incapable de ressentir la moindre émotion et qui joue la normalité pour rendre les choses supportables et surtout pour assurer sa survie. En effet, Dexter est un tueur en série.

Toute la série repose sur les épaules de ce personnage, magistralement interprété par Michael C. Hall, méconnaissable par rapport à son rôle de David dans Six feet under.

Dexter nous plonge dans la tête de ce tueur en série qui a eu la particularité d’avoir un père adoptif policier qui lui a appris à se fondre dans la masse, à couvrir ses traces et surtout qui lui a donné un code : ne tuer que les coupables, les meurtriers qui sont passés aux travers des mailles de la justice. Dexter se laisse alors allez à son petit penchant tout en jouant le justicier.

Mais sa petite vie bien huilée lors de l’arrivée dans sa vie de ce collègue, cet autre tueur en série, un véritable artiste aux yeux de Dexter avec qui il va jouer un jeu dangereux qui le conduira à ses origines.

Après quelques épisodes, on est séduit par le personnage de Dexter, sorte de monstre que l’on ne peut qu’aimer. Mais rapidement on prend conscience des limites de la série : soit elle monte à un autre niveau, soit elle ne sera qu’une bonne idée tirée mal exploitée (comme Prison break qui tourne rapidement à la blague trop longue). Mais la série réussi sont pari en prenant une autre dimension : la relation de Dexter avec son père, son quotidien ou le jeu complexe avec l’autre tueur rend l’histoire haletante jusqu’à un final un peu prévisible et tiré par les cheveux mais terriblement efficace.

Une belle réflexion sur les racines du mal, l’inné et l’acquis, le bien et le mal dans une série avant tout distrayante. Du tout grand spectacle !

Vivement la saison 2 !

Oz, c’est le petit nom de la prison de Oswald dans laquelle un homme essaye de créer une section, Emerald city ou Em city, plus humaine et d’y projeter ses idéaux : essayer de donner un espoir au prisonnier d’évoluer en dehors de la spirale de la criminalité.

La première saison est l’histoire de son échec.

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La méthode de narration est d’une incroyable originalité pour une série de la fin des années 90. On suit de nombreux personnages, prisonniers, gardien, directeur, prêtre, politicien, etc. et l’on assiste impuissant à la mort à petit feu d’une belle utopie.

Le grand intérêt d Oz est que la réponse apportée est d’une incroyable subtilité. Le spectateur est bombardé d’informations, parfois contradictoires, absurdes ou dénuées de logique, toutes contribuant à la mort de nos préjugés.

De nombreux aspects de la vie en prison sont présentés au cours de 8 épisodes de cette première saison : la corruption, le trafic, la violence, le sexe, la peine de mort, la politique, les gangs, etc. Des aspects positifs sont aussi abordés, souvent de manière très politiquement incorrecte : la religion, catholique ou musulmane, chacune avec ses points forts et ses débordements.

La série pose aussi la question de l’origine de la violence, insistant sur l’impact de la société qui crée des criminels. Elle dénonce l’hypocrisie de vouloir améliorer les conditions en prison (mais aussi le système purement punitif) alors que le système au dehors qui devrait être revu.

Oz joue littéralement avec le spectateur, ses émotions et ses certitudes. Elle fait évoluer votre point de vie, casse vos vérités à grands coups de retournement de situations.

Qui est le pire ? celui qui tue un dealer qui vendait de la drogue à ses enfants ou celui qui écrase une adolescente alors qu’il conduisait en état d’ivresse ? celui qui propage une idéologie nazie ou un avocat binoclard ?

Il n’y a pas de réponse simple à ses questions et il est toujours dangereux de mettre les gens dans des boites avec de jolies étiquettes. L’humanité est beaucoup plus qu’un stéréotype. A Oz, comme dans la vie, les choses ne sont jamais fixe, tout évolue, et la prison est une sorte de monstre évolutif, en pleine mouvance, et qui gronde de colère.

Mais la vraie puissance de cette série, sa véritable originalité, est qu’elle est probablement la première série sans héros (il n’y a même pas un anti-héros comme Tony Soprano). Le seul personnage central est la prison, tous les autres ne jouent que des rôles secondaires et sont potentiellement jetables. Il y a aussi une réelle recherche esthétique. Certains plans sont très recherchés, en particulier ceux impliquant le narrateur ou la présentation éclair des prisonniers. Les acteurs sont choisis avec soins et on remarque la présence d’Edie Falco qu’on retrouvera un peu plus tard dans le rôle de Carmela Soprano.

La première saison se termine de façon très prévisible mais quand même surprenante et je suis impatient de replonger dans l’enfer de Oz pour une saison de plus !

La première saison se déroulait entre la guerre des Gaules et la mort de César sur le marbre du sénat. L’histoire reposait principalement sur le personnage hautement charismatique de Jules César et sur la question : qu’est-ce qui a poussé Brutus a participer à ce crime. La réponse y était très intéressante, cherchant dans l’humanité à son niveau le plus fondamental, la cause des grands changements de l’histoire.

Le dernier épisode de la première saison était particulièrement intense, de par la mort de César, mais aussi les terribles événements qui frappent Lucius Veronus et sa famille.

On en ressort le cœur battant et Jérémie Malaussene hurlant dans votre tête : " La suuuiiite, la suite bordel ! "

La seconde saison s’ouvre sur la cadavre ensanglanté de Jules César et enchaîne immédiatement après les faits sans aucune transition.

Cet épisode charnière marque le début d’une seconde saison d’une qualité égale à la première, mettant toujours autant de soin et d’argent dans les décors (même si les spécialistes s’accordent pour dire que la reconstitution de l’Egypte n’est pas aussi fidèle que celle de Rome), les intrigues et le réalisme dans les relations humaines (selon les standards de l’époque).

Au niveau scénario, la seconde saison présente un intéressant effet miroir avec la première. La saison 1 commençait de façon très racoleuse à grand renfort de violence et de sexe particulièrement explicite pour une série télévisée (mais il est bien connu que HBO n’a peur de rien) pour glisser vers un monde basé sur les intrigues.

Ce sont les intrigues qui sont mise à l’honneur dans la première partie de la seconde saison, violence et sexe ne faisant qu’une réapparition remarquable dans les derniers épisodes, atteignant de nouveaux sommets, comme une sorte d’étrange récompense pour les spectateurs.

L’Histoire-avec-un-grand-H est connue : le soldat et ami de César, Marc-Antoine jouant de l’amour que lui porte le peuple pour retirer son épingle du jeu, Brutus en exil et qui tente vainement de revenir au pouvoir (la scène métaphorique de sa mort est quelque peu ridicule) et surtout le terrible Octave, héritier officiel de Jules César, froid, intelligent et calculateur, prêt à toutes les alliance et toutes les traîtrises pour arriver à ses fins et qui tiendra finalement les rennes.

C’est en particulier l’opposition Marc-Antoine et Octave qui est mise en avant et c’est encore une simple histoire d’amour (impliquant bien entendu Cléopâtre mais aussi Domina) qui est le point d’appuis de l’histoire.

Au niveau du peuple, Titus Pullo s’est assagit et Lucius Veronus, écrasé par le chagrin, sombre dans une sorte de violence désabusée. Ils se voient confier la mission de tenir les bas quartier de Rome, en pleine effervescence fasse à la constante mouvance du pouvoir. Une fois encore, ils joueront des rôles clés dans la petite mais aussi la grande histoire.

Le tout est d’une grande qualité, une leçon d’histoire flamboyante, mais pour une raison que je m’explique pas, la seconde saison manque de la petite étincelle qui rendait la première totalement extraordinaire. S’il s’agit d’un spectacle de très grande qualité et bien au-delà des nombreuses séries disponibles actuellement (et qui semble se formater de plus en plus), il y a quelque de chose de moins dans la seconde saison, sans que je puisse mettre le doigt dessus. Peut-être le plaisir de la découverte. Peut-être un personnage aussi intriguant que Jules César.

Quoi qu’il en soit, les deux saisons de Rome valent certainement la peine qu’on s’y intéresse !

D’autant plus que HBO a été très clair : il n’y aura pas de troisième saison.

N’écoutant que mon courage, j’ai continué mon voyage au delà du réel en compagnie de Dana Scully et Fox Mulder en enchaînant directement sur la seconde saison après la vision d’une première saison rafraîchissante.

Il faut dire que la première saison se termine sur un événement choc : la fermeture des affaires non-classées, les X-files, et la dissolution de l’équipe Scully-Mulder, laissant en suspend de nombreuses questions telles que " Comment les seins de Scully arrivent-ils à défier la gravité " (1) ou " Comment David Duchovny a-t-il fait pour devenir acteur avec si peu de talent ? " (2)

Cette seconde saison est particulièrement décevante et n’offre même pas la satisfaction d’une fin de saison digne de ce nom.

Pourtant cela commençait bien !

Les fans attendaient avec impatience de savoir comment les X-files allaient être ré-ouverts.

Dans les premiers épisodes, on découvre un Fox Mulder qui a perdu la foi (ce qui dans le jeu d’acteur de David Duchovny se traduit par la disparition des lueurs de malice qu’il arrivait à glisser dans son jeu) et se morfond dans des tâches subalterne. Il remplace Scully dans le besoin de recherche de preuves, il doute même de ce qu’il a vu, tout en continuant à subir ses obsessions et à subir le même cauchemar de l’enlèvement de sa sœur (dans une version différente de celle de la saison 1).

De son côté, Scully est également rongée par l’ennui et pour des raisons que l’on devine plus personnelle, souffre également de la dissolution de l’équipe. Elle est prête à tout pour reformer cette équipe et redonner la foi à son partenaire.

Le début de saison est magnifique.

Les épisodes quittent le carcan " 1 épisode, 1 histoire " pour avancer dans l’histoire générale : les complots schizophréniques du gouvernement, les extra-terrestres, les X-files, le rapprochement affectif entre les deux coéquipiers, etc. La série prend alors une autre dimension.

Et puis, suite à l’épisode clé du retour de Scully (et le retour du congé de maternité de Gillian Anderson), la série fait un brusque bond en arrière. On retrouve le format plat d’une histoire par épisode et on se demande si le scénariste n’est pas resté à la maison pour prendre soin du bébé de Scully !

Au fil de la saison, les épisodes sombrent de plus en plus dans la facilité et le ridicule (pour culminer avec l’épisode sur les monstres de foire), ne nous offrant même pas la satisfaction d’une fin de saison digne de ce nom puisqu’elle se clôture sur un épisode comme les autres. Si Fox retrouve la foi vers la fin, David Duchovny semble pourtant avoir oublié comment jouer l’enthousiasme (espérons qu’il profitera de ses vacances avant le début de la saison 3 pour prendre quelques cours de comédie) et c’est Gillian Anderson, plus humaine, plus encline à accepter les hypothèses alternatives, qui devient réellement le pilier de la série.

Suite à cette seconde saison peu convainquante, je sens que de l’eau va couler sous les ponts avant que je n’attaque la suite !

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1. C’est particulièrement évident dans l’épisode du retour de Scully, lorsqu’elle est étendue sur une table, ses énormes seins dus à la grossesse qui l’avait écartée provisoirement des plateaux tendu vers le ciel dans une forme totalement anormale. Faut-il y voir un effet secondaire de ces épaulettes qui ornent systématiquement ses tailleurs ?
2. Dans cette seconde saison, Fox mériterait l’oscar du pire acteur de l’année pour une scène particulièrement risible dans laquelle il doit jouer la douleur et annoncer à son père qu’il a (encore) perdu sa sœur.

L’idée de base est de s’attaquer à une Grande Cause (avec un grand G et un grand C) : l’origine de la violence, la propagande anti-terroriste aux USA, etc. et l’attaquer avec un mélange de bonne foi et de manipulation pour faire passer de façon convaincante et surtout très rock’n’roll, une idée ou un message. Journalistiquement, c’est très discutable mais d’un point de vue efficacité, c’est redoutable.

La même recette a été reprise récemment et avec un succès équivalent par Al Gore dans sa croisade pour une prise de conscience du phénomène de réchauffement climatique (An unconvenient truth).

Mais si la méthode semble justifiable lorsque la cause et le message sont justes, elle devient inquiétante lorsqu’elle est utilisée intelligemment pour faire passer un message plus ambigu (et dès lors pose la question de la justification de l’utilisation de méthodes partiales en général).

Le film Surplus réalisé par Erik Gandini en 2003 (voir lien ci-dessous) qui a fait grand bruit à sa sortie en Suède et qui est passé récemment sur Arte en est une belle illustration.

Sa Grande Cause est celle de la surconsommation et son corollaire : la surexploitation des ressources et l’inégalité de répartition des richesses.

Le film peut s’observer selon différents angles avec des regards totalement différents

Techniquement, c’est un petit bijou. Le montage est très original, rapide et efficace. C’est beau comme une publicité ou un clip (mais de 50 minutes quand même). La musique (qui n’est pas sans rappeler celle de Fight Club, ce qui n’est peut-être pas une coïncidence) porte littéralement le film et maintien un rythme de croisière qui ne laisse pas le temps au spectateur de souffler (penser ?) Certains effets de montage sont terriblement ingénieux, comme ce discours d’ouverture contre la surconsommation qui est progressivement noyé par les bruits des émeutes et de la violence. Les associations d’idées visuelles sont bien faites et originales, laissant parfois notre imagination vagabonder dans des endroits inattendus.

Pour faire simple, c’est terriblement efficace !

Au niveau de la structure, c’est très classique. On part de l’universel, du général, pour présenter l’idée de base (la surconsommation c’est mal, la société de consommation c’est mal, ce monde est sans avenir), pour l’illustrer par des exemples chocs (l’interview d’un personnage effrayant et charismatique, l’écrivain John Zerzan, des cas particuliers des dérives de la surconsommation : une fabrique de poupée gonflables de luxe faisant des parallèles avec le culte de l’uniformité et des apparences ; le témoignage un peu ridicule d’un jeune suédois qui démontre que l’argent ne donne pas de sens à la vie ; une alternative à la société de consommation avec le socialisme à Cuba et le témoignage d’une jeune cubaine qui a voyage en Angleterre). En chemin, on place quelques stéréotypes et images chocs et ridicules des partisants de l’autre camp (comme ce bon vieux Bush ou encore Steve Ballnerde chez Microsoft), quelques chiffres chocs (20% des habitants consomment 80% des richesses ou encore un américain consomme 30 fois plus qu’un indien) et on termine par un take-away-message.

Et c’est bien là que le bas blesse !

Soit ce film fait preuve d’une magnifique ironie (comme le laisse supposer quelques séquences, comme la reconstitution de la vie des hommes des cavernes illustrant et tournant en ridicule les propos extrémistes de John Zerzan dont la solution à la surconsommation est le retour à l’âge de pierre), soit il est une incitation à la violence et un remarquable manque de confiance en l’humanité à qui il montre bien peu de respect.

Si le film se veut ironique, c’est loin d’être évident et seule une élite pourrait éventuellement percevoir le réel message. Dès lors, on est en droit de se demander l’intérêt d’un tel film. D’autre part, ce léger parfum ironique ne pourrait être qu’un moyen de défense pour camoufler le but réel de ce film, à savoir faire passer le message qui transpire au premier degré : seule la violence et la destruction sont des solutions pour lutter contre la société de consommation.

Dans ce cas, Surplus apparaît comme une version documentaire de Fight Club avec John Zerzan débitant ses vérités à la manière de Dantec dans le rôle de Tyler Durden (en beaucoup beaucoup moins sexy, il faut le reconnaître).

Le problème est que le discours est beaucoup trop blanc/noir. La société de consommation vous abreuve de publicité et de propagande pour vous " pousser à consommer ". Vous êtes une pauvre victime impuissante et passive, que l’on " force " et c’est la " force d’inertie qui le (ce monde) fait avancer. "

Bref, vous êtes totalement dépourvu d’esprit critique ou de liberté de choix et toute la faute en revient á la société de consommation. C’est elle qui vous pousse à consommer, qui détruit la planète, etc. Vous n’avez aucune responsabilité puisque vous n’êtes que des marionnettes.

Par conséquent, la seule réponse possible est de répondre par la violence et la destruction. La seule manière de protester est d’entamer la guerre !

Je ne peux en aucun cas cautionner un tel message !

S’il est très plaisant en tant qu’outil pour une œuvre de fiction (comme dans le roman de Chuck Palaniuk), il est absolument inacceptable dans la réalité.

Il est trop facile de blâmer notre société pour nos choix. Il est trop facile de détruire plutôt que d’éduquer.

Par exemple, ne serait-il pas plus efficace d’apprendre l’esprit critique plutôt que de détruire tous les publicitaires ?

La solution ne peut pas venir de la régression et la destruction mais bien de la l’évolution vers un système viable, durable et surtout réaliste.

Il est tout à fait possible, avec un minimum d’éducation, de bon sens et d’esprit critique, de bien vivre dans la société de consommation, d’être heureux sans pour autant succomber aux mirages que l’on fait miroiter devant nos yeux. Notre meilleure arme contre ceux qui veulent nous pousser dans la mauvaise direction est la prise de conscience et la réaction individuelle, pas le cocktail molotov.

Mais comme souvent, par un procédé hyper-ironique, la leçon que l’on pourrait tirer de ce film très bien fait mais faisant passer le mauvais message, c’est que ce qui est beau, séduisant et efficace n’est pas nécessairement vrai !

Une première étape vers le développement de l’esprit critique !

Pour vous faire votre idée ou comme travaux pratiques, voir :

Le problème est particulièrement difficile avec Le guide galactique de Douglas Adams, parce que peu d’œuvres ont été déclinées sous autant de format.

A l’origine, il s’agissait d’un série radiophonique diffusée à la BBC.

Suite à un succès aussi phénoménal qu’inattendu du uniquement au bouche à oreille, son créateur, Douglas Adams, s’est vu demandé de le transposer en roman (l’émission de radio originale a ainsi donné naissance à deux tomes. Trois autres tomes verront le jour et ne seront adaptés à la radio que récemment).

Plus tard, la BBC mettra le tout en image par le biais d’une minisérie de 6 épisodes sortie en 1981.

Enfin, Douglas Adams en fera également un jeu vidéo, un site internet et se battra toute sa vie pour que Le guide galactique passe sur le grand écran (ce qui sera fait après sa mort avec un succès plus que discutable).

Le hasard a voulu que je découvre ces différentes interprétation dans l’ordre de leur création (avec le constat que la qualité se faisait décroissante avec le temps). A une exception près.

Pour des raisons pratiques, je n’ai pas eu la possibilité de voir la minisérie télévisée (et j’ai bêtement hésité à m’offrir le DVD lors de mon passage à Stockholm mais pour ma défense, je venais de m’offrir l’intégrale des Monty Python’s flying circus). Ce n’est que récemment que j’ai pu enfin obtenir les 6 épisodes de 30 minutes tant convoités.

Si le format radio reste incontestablement le mieux adapté pour Le guide galactique (avec ses sons et ses voix délirantes et super soignés mais laissant une large place à l’imagination pour les créatures absurdes imaginées par Adams), la série TV prend sans discussion possible la seconde place.

Vous pouvez pourtant imaginez à quoi peut ressembler un programme de science-fiction de la BBC au début des années 80 !

Visuellement ne tient pas la comparaison avec le film. Par exemple, les effets spéciaux sont très basiques et certains personnes sont risibles (la seconde tête animée de Zappy/Zaphod ressemble vaguement à un personnage de Fraggle rock ou encore Marvin à un robot en fer blanc de notre enfance, sa vitesse de déplacement faisant de C3PO un sprinter). D’autres choses plus réussies : le visuel du guide est très amusante et les acteurs sont bien choisis (le personnage de Arthur est " so british ! "). L’exception pour les acteurs est peut-être la belle Trilian qui ici est, certes, une belle plante pour celui qui aime ce genre de végétaux mais ne tient pas la route comme scientifique de haut niveau avec ses fringues dont le seul but est de mettre son corps en évidence et sa voix d’idiote.

Cela pose d’ailleurs une question amusante à propos de l’humour nonsense anglais. En effet, d’où vient cette tendance à y ajouter de belle demoiselle dévoilant leurs charmes, parfois dans les situations les plus incongrues (ne citons que Carrol Cleaveland dans les Monty Python’s) et surtout d’où leur vient cette tendance à vouloir s’exposer nu ? Ainsi, Douglas Adams fait plusieurs apparitions dans la série et surtout… nous montre ses fesses.

L’histoire est toujours la même (bien que largement épurée par rapport à la version radio) : Un anglais découvre qu’un de ses amis est un extra-terrestre et quitte la terre avec lui juste avant qu’elle ne soit détruite pour faire place à une déviation galactique. Commence alors un voyage tellement improbable à travers la galaxie qui mènera à la découverte du sens de la vie (la série TV est d’ailleurs le seul format qui donne à la fois la réponse mais aussi la question).

Ceux qui goûtent à l’humour absurde ou qui ont aimé Le guide galactique sous l’un de ses nombreux formats, cette série devrait passer un bon moment avec cette courte série télévisée.

Owen, un homme qui sait où se trouve sa serviette !

• Comment ? Vous n’avez pas vu le dernier épisode de " Desperate housewives " ???

Les séries déferlent sur nos écrans et dans nos lecteurs DVD et le phénomène de dépendance n’est plus à démontrer (que celui qui n’a pas regardé 10 épisodes de " 24 " de suite me jette la première bière).

Il y a de tout, de la grande qualité avec les complexes et fouillées séries de HBO (de " Six feet under " à " The Sopranos " en passant par " Rome " ou " Deadwood ") aux séries plus classiques voire mauvaises. Tous les genres sont abordés : peplum (" tu aimes les séries de gladiateurs ? "), policier, western, mafia, science-fiction, mystère, romance, etc.

Si chaque série à son héros (ou anti-héros pour de nombreuses séries HBO), certains sont basées sur les super-héros, comme " Loïs et Clarke " ou " Smallville ", toutes deux consacrées à Superman.

Mais s’il est UNE série qui est intéressante pour tant soit peu que l’on s’intéresse aux super-héros, c’est bien " Heroes ".

Cette série, dont la première saison est actuellement diffusée sur NBS (déjà 19 épisodes), n’est pourtant pas très originale. Elle ne fait que compiler les classiques du genre.

L’idée de départ est simple : des gens comme vous et moi se révèlent être porteur d’une mutation qui s’exprime sous la forme d’un super pouvoir : modifier la toile de l’espace-temps, régénérer, voler, lire dans les pensées, etc. Ils sont sans doutes plusieurs milliers (ce qui soit dit en passant laisse la porte ouverte pour des suites sans fin) mais une poignée d’entre eux semblent interconnectés, s’attirer les uns les autres et être lié par un même destin : sauver le monde. En effet, ils leurs restent quelques semaines pour empêcher qu’une explosion ne ravage la ville de New-York. Le problème est qu’ils ne se connaissent pas et ne savent pas quel rôle ils ont a joué.

Cela a un grand air de déjà-vu (dans " X-men " par exemple) mais c’est très efficace et on se laisse rapidement prendre au jeu démontrant que l’originalité n’est pas la condition nécessaire au succès.

De quoi passer un excellent moment pour les amateurs de ce genre !

Parmi les plus intéressantes, Lost et Heroes connaissent un énorme succès auprès du public qui se perd en conjoncture sur le net. Mais si la passion est toujours là, le public semble avoir du mal à suivre sur la longueur (le succès de la troisième saison de Lost ne semble pas atteindre les espérances des producteurs). Il faut dire qu’il n’est pas facile de maintenir le dangereux équilibre instable entre le mystère et la révélation lorsqu’un projet est programmé sur plusieurs années et certaines idées seraient largement mieux développée en quelques heures que sur des dizaines d’épisodes (dans un autre genre, nous pouvons penser à l’inégal Prison break).

Lost room produit et diffusé par Sci-Fi channel en juillet 2006 semble tirer les leçons de ces constatations. Il surfe certainement sur le succès de séries comme Lost avec une ambiance fantastique qui plonge aux racines du genre à la télévision avec des idées tirées de La quatrième dimension (des objets du quotidien dotés de pouvoir inattendus), une excellente idée de départ entre Stargate et Dans la peau de John Malkovitch et exploitée sur 3 épisodes de 2 heures chacun.

Tout commence lorsqu’au cours d’une enquête, le détective Joe Miller (interprété par Peter Krauze, très proche de son jeu dans Six feet under et qui ne réussi par une transformation à la Dexter) se voit remettre accidentellement une clé toute banale de la chambre numéro 10 d’une chambre d’hôtel. Rapidement, il découvre qu’il ne s’agit pas d’une clé comme les autres puisqu’elle ouvre toutes les portes sans exception à condition qu’elle dispose d’une serrure. Mais ce n’est pas tout. Outre son pouvoir de passe-partout universel, lorsque vous ouvrez une porte avec cette clé, elle donne systématiquement au même endroit : une chambre d’hôtel toute banale. Et lorsque vous ressortez de la chambre, vous pouvez choisir l’endroit où vous ressortez. La clé devient alors un moyen de transport fabuleux puisqu’elle vous permet de vous téléporter où vous voulez.

Miller va vite devenir le centre de toutes les attentions et découvrir que la clé n’est que l’un (mais le plus important) d’une centaine d’objets, provenant tous de la chambre, et possédant tous des propriétés étranges : du peigne qui arrête le temps à la montre qui cuit des œufs, en passant par les lunettes qui empêche la combustion au réveil qui fait fondre les soudures au souffre. Et depuis plus de 40 ans, diverses personnes se déchirent pour essayer de rassembler ces objets : les Collecteurs, la cabale mystique de l’Ordre de Réunification ou encore La Légion.

Mais rapidement, Joe Miller va trouver des raisons personnelles pour tenter de résoudre le mystère de l’origine de la chambre hors de l’espace et du temps, et de ces objets qui semblent s’attirer les uns les autres.

L’idée de départ n’est pas des plus originales mais tout comme dans Heroes, elle est exploitée avec efficacité, ici en une minisérie de 6 heures. Le format est intéressant parce que la série ne perd jamais son souffle et le spectateur passe de révélations en rebondissements. L’histoire se boucle au terme des 3 épisodes même si de nombreuses questions restent ouvertes et la motivation de certains personnages ne sont pas tout à fait claires.

Outre la présence de Peter Krauze, on retrouve dans Lost room d’autres figures familières pour ceux qui aiment les séries (il faudrait un jour faire les liens entre les séries sur base des acteurs, il y a sûrement un message caché) comme Julianna Margulies d’Urgence ou Roger Bart qui continue ses rôles de méchants après celui de pharmacien-psychopathe (belle insulte, soit dit en passant) dans Desperate housewives.

Des rumeurs lancées par des fans avides laissent suggérer que Lost room pourrait donner naissance à une série dans un format plus classique et s’il est vrai qu’il y a le potentiel pour une suite, sous une forme ou une autre, rien d’officiel n’a encore été annoncé à ce sujet et aucun projet n’est encore envisagé.

Quoi qu’il en soit, de quoi passer un agréable moment !

Parfois la sagesse populaire se contredit et elle est d’un piètre secours. De mon côté, j’ai naturellement tendance à me faire une forte première impression et s’il n’est pas exclus de me faire changer d’avis, c’est un travail de longue haleine.

Cela donne naissance à une vision dichotomique du monde qui se sépare en plusieurs catégories : les gens que j’aime, ceux que je n’aime pas et la catégorie fourre tout et aussi largement la plus importante, les gens qui m’indiffèrent. Bien entendu, je suis conscient que le monde est largement plus complexe que cela, que les gens ne possèdent plusieurs facettes, que le bien et le mal n’existent pas. C’est d’ailleurs une des recettes les plus classique de la bonne littérature ou du cinéma, celle qui met à mal notre vision du monde et fait évoluer nos positions sur les personnages au fil des pages ou du temps qui passe.

Les séries ne font pas exception à la règle et particulièrement HBO a su tirer parti de cette trame en créant des personnages extrêmement complexe et souvent flirtant dangereusement avec la limite, des méchants que l’on ne peut d’empêcher d’aimer, Tony Soprano et Al Swearengen de Deadwood en tête de file.

The shield surfe également sur cette vague en reprenant un genre parmi les plus classique à la télévision, le policier, pour le réinventer sous la lumière de rapports humains complexes.

Tout se passe dans le sanctuaire, une église récupérée pour devenir le QG de la police dans le quartier le plus chaud de L.A. Un nouveau capitaine Aceveda y met en pratique une nouvelle technique de gestion avec comme résultat une baisse notable de la criminalité. L’élément clé de ce succès est la présence de la brigade de choc, petite équipe soudée de têtes brûlées dirigée par Vic Mackeyet qui tient les quartiers dans un équilibre instable, entre dealers et gang, meurtriers et prostituées.

Mais derrière les histoires policières se cache de complexe relations humaines et jeu de pouvoir qui atteignent leur paroxysme dans l’antagonisme entre le capitaine et Vic, le premier jouant la carte de l’incorruptibilité pour assouvir ses aspirations politiques, quitte à arrêter ses propres collègues, l’autre jouant allègrement dans l’illégalité pour maintenir une paix relative et faire vivre sa famille au sens large et près à franchir la ligne rouge si nécessaire.

Derrière ces deux personnages phares, on suit en profondeur une multitude de personnages pas si secondaire que cela, là aussi source de revirement d’opinions et de remises en question.

La série évolue au fil des épisodes jusqu’à un brillant final dans lequel de façon très classique, les deux ennemis, luttant selon des méthodes différentes pour une même cause, vont devoir d’associer pour lutter contre le vrai méchant caché dans l’ombre et qui n’a rien à envier au Dudley Smith d’Ellroy. Au passage, chacun devra mettre un pied dans le camp de l’autre et payer sa dîme au passage.

A peu de choses près, The shield exploite la même trame que celle qui sera utilisée dans l’extraordinaire Deadwood (qui en plus repense l’histoire et notre vision de la conquête de l’ouest) et compense son manque d’originalité par des personnages intéressants et une efficacité à toute épreuve. C’est du divertissement de grande qualité.

Une excellente première saison. Il me reste maintenant à découvrir si la série tient ses promesses sur le long terme puisque de nombreuses saisons sont déjà disponibles.