vous y croyez, vous? - [film]

Al Pacino, grand amateur du grand Will, s’est posé la question de comment changer cela. Il s’est mis en tête de faire un film dont le but serait de partager sa passion pour Shakespeare, faire passer et expliquer son message au plus grand nombre, le tout en adaptant une des pièces les plus populaires (en tout cas, la plus jouée) mais aussi une des plus complexes de l’auteur : Richard III.

Pourtant, théâtre et cinéma ne font pas toujours bon ménage et nombreux sont ceux qui se sont risqués à des adaptations cinématographiques de pièces célèbres, mais ceux qui ont réussi se compte sur les doigts de la main. C’est particulièrement vrai lorsqu’il est question de l’intouchable Shakespeare, l’un de ces auteurs qui inspire un tel respect qu’il provoque même un sentiment d’infériorité chez les américains qui sont souvent persuadés que seuls les anglais savent jouer les œuvres du grand Will. La cause en est peut-être que les américains ont tendance à trop s’attacher au texte et aux règles académiques souvent liées à Shakespeare, comme le pentamére iambique, raison aussi pour laquelle ces pièces sont souvent considérées comme incompréhensibles et rébarbatives par le grand public.

Pourtant, le message qui transpire des textes de Shakespeare est toujours d’actualité même si paradoxalement la compréhension du texte original demande un réel effort de par la complexité de la poésie de l’auteur et un inévitable remise en contexte.

Alors ? Comment faire pour redonner vie à ces textes ?

Le cinéma a fait de nombreuses tentatives plus ou moins réussies, de Roméo + Juliette pour le moins à Henry V du génial Kenneth Brannagh pour le plus (avec au milieu de nombreuses adaptations de Hamlet, dont le pompon revient indiscutablement à celle de Mel Gibson qui ose pousser le vice en jouant le rôle titre alors qu’il était dans la quarantaine, ou de Othello).

Al Pacino a décidé de lui aussi tenter sa chance en réalisant une adaptation audatieuse de Richard III.

Mais comment rendre transparent au grand public une pièce terriblement compliquée dont, par exemple, la première tirade demande déjà de nombreuses explications historiques pour être compréhensible ?

" Voici l’hiver de notre déplaisir changé en glorieux été par le soleil de York. " (1)

Al Pacino a alors opté pour une forme originale de documentaire dramatique qu’il a intitulé Looking for Richard.

Le film, terriblement théâtral dans sa mise en scène et le jeu des acteurs principaux, est un patchwork étrange d’interviews de spécialistes, d’historiens, de passionnés (dont les incontournables Kenneth Brannagh et Dereck Jacobi), mais aussi de gens dans la rue (par exemple de joyeux : " vous voulez jouer Shakespeare avec votre accent américain ? " ou " vous ne savez foutre rien de Shakespeare "), de discussion filmées sur le vif dans les endroits les plus divers, de répétition, de casting et enfin de scène de Richard III tournées avec une brochette d’acteurs saisissantes (2).

Ce mélange surprenant est pourtant efficace puisqu’il permet au spectateur de suivre l’histoire de la pièce, de la remettre dans son contexte de l’époque mais aussi dans notre monde actuel, surtout de la comprendre et d’en apprendre un peu plus sur l’héritage de Shakespeare.

Pacino, excellent, acteur jusqu’au bout des ongles, semble incapable d’arrêter de jouer et joue avec l’ambiguïté entre réel et imaginaire pour dépoussiérer la pièce. Il nous démontre que peu de gens connaissent Shakespeare et pratiquement personne ne sait de quoi parle Richard III (au mieux, on se souvient de " un cheval, un cheval, mon royaume pour un cheval. ") Le film nous replonge dans le message originel de la pièce que l’on retrouve dans de nombreuses œuvre de Shakespeare : la perfide de Richard qui utilise la peur et la calomnie pour manipuler son entourage pour satisfaire ses ambitions politiques, on retrouve très clairement des éléments de la campagne de Bush ou plus récemment celle de Sarkozi.

Looking for Richard est une démonstration par l’absurde que pour bien jouer Shakespeare aujourd’hui, pour le rendre accessible au grand public, il faut aller au delà du texte et pourquoi pas détruire la pièce pour la recomposer sous un nouveau format totalement original et novateur. Une idée révolutionnaire qui aurait certainement plus à Shakespeare.

Un film à voir pour vous donner envie d’aller au théâtre. Quel nonsense !

Allez comprendre…

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Chère Clara Morgane (vous permettez que je vous appelle Clara?),

Lorsque j’ai appris votre présence en ces lieux, je me suis dit qu’il était essentiel de vous préparer un petit hommage. J’ai opté pour la forme de la chronique, genre largement apprécié en télévision, en particulier sur Canal+, chaîne inextricablement lié à votre parcours, où elle a fait les beaux jours de l’émission Nulle part ailleurs en particulier sous les traits d’Antoine de Caune.

Je me suis alors posé la question du comment aborder une femme telle que vous sans tomber dans la facilité, d’autant plus que je ne connais qu’assez peu votre vie et votre œuvre.

En effet, vous vous êtes fait un nom dans le cinéma de genre sous X mais vous avez commencé votre carrière éclair bien après l’époque où je me faisais une culture en béton sur le sujet. Votre carrière s’enchaînant sur la fin de celle d’Océane dont le rôle dans "Niqueur né", le premier film de Fred Coppula, votre réalisateur fétiche, avait marqué la fin de ma vie pornographique.

Bref, j’ai donc essayé de me procurer vos films mais il semblerait que vos œuvres ne soient pas arrivée jusque en Suède (1). J’ai alors essayer de trouver votre biographie, Sex Star, mais en librairie je n’ai trouvé qu’une biographie de Pamela Anderson.

Que faire ?

Je ne pouvais quand même pas parler de vous sans en savoir un peu plus ! Je me suis donc décidé a commettre l’irréparable et j’ai téléchargé un de vos films.

Mais lequel choisir ? Je me suis alors plongé dans la bible du cinéma et j’ai tapé votre doux nom sur le site Internet Movies Database. Tout d’abord, vous serez peut-être heureuse d’apprendre que vous avez été confondue avec une homonyme puisque sur la fiche de Clara Morgan, une actrice ayant joué dans le film muet "A Noble Enemy" en 1912 (2), on découvre également qu’elle a fait une apparition il y a quelques années dans une émission de Cauet. Il n’y a pas à dire… la pipe cela conserve (3). Pour la petite histoire, sachez que plus près de nous qu’il y a aussi une Clara Morgan Wilson qui a joué un rôle de serveuse non remarqué dans " Mu Sa Do" en 2002.

Mais plus sérieusement, il n’y a qu’une seule Clara Morgane (4) qui en 2 ans et une douzaine de film a su se faire un nom. Pour en choisir un, j’ai décidé de me fier à l’avis des internautes et j’ai donc pris "Les dessous de Clara Morgane" qui a recu sur Imbd.com la note très impressionante de 8,3.

Alors que le film se téléchargeait, je continuais de me poser la question de la direction que prendrait mon petit portrait. Je comptais parler de la maniére dont on pouvait se créer un nom dans notre société basé sur l’image et le voyeurisme. Du pari risqué de l’industrie pornographique qui n’a permis qu’à bien peu de gens d’en sortir pour vraiment en profiter (à part Rocco et Jean-Luc Lahaye… non… Brigitte…, peu sont connus en dehors du cercle fermé du X), de la difficulté d’exploiter intelligement sa gloire comme en témoigne les carrières des nouveaux héros de le télé-réalité, etc. etc.

Et puis, après une longue attente, il était là, sur mon disque très dur, en train d’attendre d’être visionné.

Et là, je constate que la Clara Morgan des années 10 tenait sa vengeance puisque ma version était… muette. J’ai donc visionné "Les dessous de Clara Morgane" sans même un accompagnement au piano ou des petits panneaux sur lesquels auraient été écrit un petit texte pour m’expliquer l’action et remettre le tout dans son contexte.

Regardez un film pornographique sans le son est presque aussi excitant que de regarder un film d’horreur dont la B.O. serait écrite par les Beatles dans leur période Good day sunshine et avec Maïté au doublage. Mais curieusement, c’est ainsi que j’ai compri le secret de votre succès.

Cela ne tient pas à votre plastique somptueuse et certainement pas à vos prouesses sexuelles (pour ce que j’en ai vu et selon les critères du X actuel, vous faites l’amour à-la-papa ! Fellation, cunilingus, pénétration vaginale (pratiquement toujours avec le même acteur en plus) et ejac’ faciale… de la gnognote dans ce monde où la triple pénétration anale est presque devenue un standard).

Alors quoi ?

Votre secret vous le tenez dans cette candeur, cette espièglerie (bon vous n’êtes pas Candy non plus, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit), ce plaisir que vous laissez transparaître dans chacune de vos scènes. Vous n’essayez pas de copier ce jeu surfait des autres actrices, vous restez vous êtes et malgré le côté artificiel de ces scènes, vous êtes terriblement naturelle. Vous débordez de fraîcheur dans ce monde qui ne l’est pourtant pas. Vous pourriez être ma voisine de pallier (enfin si j’avais un pallier et beaucoup de chance. En ce moment, j’ai quelques doutes sur la capacité de ma voisine de gagner un hot d’or).

Depuis, vous avez pu montrer que vous aviez plusieurs cordes à votre arc et vous avez su exploiter le succès procuré par le hard. Vous avez été à la fois chroniqueuse dans un journal, présentatrice à la télévision, créatrice d’une ligne de lingerie, auteur d’un livre qui relate votre courte vie, et j’en passe sûrement.

Chère Clara, si j’ai un seul conseil à vous donner, c’est de garder cette fraîcheur qui a fait votre succès. Je dois vous avouer que j’ai eu un peu peur en voyant votre premier clip (5). Si je ne saurais trop me réjouir de vous voir vous lancer dans de nouvelles aventures comme celle de la musique, je ne comprends pas pourquoi ce clip est tellement stéréotypé, reprenant tous les clichés du genre.

Tout cela pour vous dire de ne pas vous laisser exploiter par l’industrie du spectacle qui ne veut qu’exploiter et pervertir ce que vous êtes !

Restez vous même, cette magnifique créature prédestinée a jouer dans le cinéma muet !

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J’étais donc prédestiné à apprécier un petit court métrage de 5 intitulé Pas facile d’être Sid Markus.

Ce court diffusé en 2006 est une fausse bande-annonce pour un faux film qui parodie le genre de la comédie américaine pour adolescent.

C’est l’histoire de William Blot, un gars-en-T-shirt, qui rêve de changer de vie avec son voisin d'en face, un type-en-chemise.

Rapidement, ce court métrage réalisé avec un belle maîtrise et que l’amateurisme des acteurs ne parvient pas à affaiblir, prend un tour totalement délirant et absurde et bien fort sera celui qui pourra réprimer ses éclats de rire. Pour preuve :

Ce film est un des réalisations d’une équipe de 3 types en T-shirt qui s’appellent… les Gars en T-shirt, des néo-urbains mal habillé qui se décrivent comme :

" A la base, nous sommes trois gars, composés exclusivement d'un blond, d'un chauve, et d'un gars qui s'appelle Sid. Nous nous appelons les Gars en T-shirt car c'est notre signe distinctif principal. Nous mettons des T-shirt. Comme nous sommes blancs, originaires des classes moyennes pavillonnaires, que nous sommes hétéros, pas raciste, que nous aimons le chocolat et pas le terrorisme, plutôt que de s'appeller "les Riens", on s'est appellé "les Gars en T-shirt", parceque ce jour là, on était tous en T-shirt (sauf un gars qui était en chemise mais tout le monde a fait semblant de n'avoir rien vu). Puis, nous nous sommes rendus compte que ce signe distinctif que nous pensions justement n'en être pas un, se révélait être l'essentiel dans le coeur des gens. "Moi aussi je porte des T-shirt! Moi aussi j'en suis! Moi aussi je veux en être!" nous hurlait-on plein d'enthousiasme et de désespoir. Soudainement, pleins de gars ni blancs, ni issus des banlieues pavillonaires, même des gars qui n'aiment pas spécialement le chocolat nous sont devenus plus proches. De trois Gars en T-shirt nous sommes devenus dix, vingt, puis des centaines, bientôt peut-être onze mille. Sinon, à part ça, nous écrivons des petits courts métrages burlesques, puis les réalisons en jouant aussi dedans avec d'autres gars qui, eux, savent jouer (on les appelle "les comédiens"). " (1)

Attendez moi les gars ! Moi aussi je suis en T-shirt et mal habillé !

Si dans la grande majorité des cas, les créatifs se contentent d’utiliser des recettes éculées, en essayant de vous faire rire, de vous énerver ou à l’occasion de vous surprendre pour faire passer un message, la page de publicité n’est pas ce que vous attendez le plus !

La publicité est partout, sous de nombreuses formes. La publicité est prête à tout pour incruster un nom dans votre esprit.

Pour arriver à leurs fins, les publicitaires disposent en général de gros moyens financiers et peuvent attirer des gens intéressant. Dans certains cas, de façon exceptionnelle il faut bien l’avouer, cela donne naissance à une réelle créativité, qu’elle soit technique ou narrative.

Cette créativité arrive parfois a s’exporter à d’autres médias comme le cinéma, cela donne parfois d’excellentes surprises (ne citons que David Fincher).

La publicité s’infiltre aussi insidieusement au cinéma ou dans la musique. Un exemple du genre est la voiture utilisée par James Bond dans ses films, généralement suivit par une compagne de pub adaptée.

En 2003, Volvo a décidé d’aller plus loin et à financé la réalisation d’un court métrage commercial intitulé The route V50. Ce film était destiné à être diffusé uniquement sur le net et être disséminé par le bouche à oreille pour vanter la qualité de leur nouveau modèle.

Pour qu’une telle idée puisse marcher, il fallait casser les règles du genre et donner naissance à un film qui réussisse le défi de combiner une réelle démarche artistique, le message publicitaire ne devant passer qu’au second plan.

Le travail a été confié au réalisateur Stephen Frears, un vétéran du cinéma (on lui doit des films comme Les liaisons dangereuses ou High fidelity) qui n’était pas un novice de la publicité non plus (il a réalisé plusieurs publicités, entre autre pour Coca Cola). Le seul rôle du film a été confié au génial Robert Downey Jr qui endosse avec son enthousiasme habituel les différentes casquettes qui lui sont confiées.

Au final, ce donne The route V50, un film de 12’30’’ à l’histoire étrange, entre Memento et Un jour sans fin, et possédant d’agréables petits accents lynchiens et d’Andy Kauffman (il est difficile de ne pas voir des points communs avec le scènario de Dans la peau de John Malkovitch ou The eternal sunshine of the spotless mind). Si la mise en scène et le jeu sont très classique, le film est aussi tordu que réussi.

Le récit est métaphorique.

Tout commence dans un endroit appelé ‘Doute’ et finit dans un endroit appelé ‘Confiance en soi’ (ce qui sonne mieux en anglais : ‘Doubt’ et ‘Confidence’, surtout que certains villes américaines portent vraiment ce genre de noms).

Un homme seul, la quarantaine est debout dans une ville perdue visiblement au milieu de nulle part, une photo floue à la main représentant une ville colorée avoue être en quête de ‘Confidence’. Soudain, une voiture moteur éteint avance silencieusement jusqu’à son niveau. Il s’approche, remet le frein à main. Un autre homme s’approche et lui offre les clés.

Alors qu’il quitte la ville pour poursuivre sa quête, il tombe sur un homme débraillé sur la route. Il apparaît que cette homme est une autr copie de lui-même, plus fantasque. Comment alors un voyage métaphorique digne d’Olivier Rameau, entre le temps et l’espace, où les paradoxes sont autant de représentations visuelles de l’évolution personnelle, et de la quête de soi-même. Une psychothérapie abstraite et poétique.

Au niveau du succès publicitaire, Volvo a été surpris par le résultat dans le sens où le message commercial est totalement dilué dans l’histoire. Si la nouvelle voiture et ses étonnantes performances sont présentées dans le film, c’est totalement secondaire et le nom de la voiture n’est jamais cité dans le film.

Cela n’en reste pas moins efficace ! D’une part, parce qu’on sort du film avec un petit sourire aux lèvres que l’on sait devoir en partie aux concepteurs de cette belle voiture. Pour peu, cela me donnerait envie d’acheter une Volvo plutôt qu’une voiture des marques qui font ces moches publicités !

Pour voir ce film :

L’idée de base est de s’attaquer à une Grande Cause (avec un grand G et un grand C) : l’origine de la violence, la propagande anti-terroriste aux USA, etc. et l’attaquer avec un mélange de bonne foi et de manipulation pour faire passer de façon convaincante et surtout très rock’n’roll, une idée ou un message. Journalistiquement, c’est très discutable mais d’un point de vue efficacité, c’est redoutable.

La même recette a été reprise récemment et avec un succès équivalent par Al Gore dans sa croisade pour une prise de conscience du phénomène de réchauffement climatique (An unconvenient truth).

Mais si la méthode semble justifiable lorsque la cause et le message sont justes, elle devient inquiétante lorsqu’elle est utilisée intelligemment pour faire passer un message plus ambigu (et dès lors pose la question de la justification de l’utilisation de méthodes partiales en général).

Le film Surplus réalisé par Erik Gandini en 2003 (voir lien ci-dessous) qui a fait grand bruit à sa sortie en Suède et qui est passé récemment sur Arte en est une belle illustration.

Sa Grande Cause est celle de la surconsommation et son corollaire : la surexploitation des ressources et l’inégalité de répartition des richesses.

Le film peut s’observer selon différents angles avec des regards totalement différents

Techniquement, c’est un petit bijou. Le montage est très original, rapide et efficace. C’est beau comme une publicité ou un clip (mais de 50 minutes quand même). La musique (qui n’est pas sans rappeler celle de Fight Club, ce qui n’est peut-être pas une coïncidence) porte littéralement le film et maintien un rythme de croisière qui ne laisse pas le temps au spectateur de souffler (penser ?) Certains effets de montage sont terriblement ingénieux, comme ce discours d’ouverture contre la surconsommation qui est progressivement noyé par les bruits des émeutes et de la violence. Les associations d’idées visuelles sont bien faites et originales, laissant parfois notre imagination vagabonder dans des endroits inattendus.

Pour faire simple, c’est terriblement efficace !

Au niveau de la structure, c’est très classique. On part de l’universel, du général, pour présenter l’idée de base (la surconsommation c’est mal, la société de consommation c’est mal, ce monde est sans avenir), pour l’illustrer par des exemples chocs (l’interview d’un personnage effrayant et charismatique, l’écrivain John Zerzan, des cas particuliers des dérives de la surconsommation : une fabrique de poupée gonflables de luxe faisant des parallèles avec le culte de l’uniformité et des apparences ; le témoignage un peu ridicule d’un jeune suédois qui démontre que l’argent ne donne pas de sens à la vie ; une alternative à la société de consommation avec le socialisme à Cuba et le témoignage d’une jeune cubaine qui a voyage en Angleterre). En chemin, on place quelques stéréotypes et images chocs et ridicules des partisants de l’autre camp (comme ce bon vieux Bush ou encore Steve Ballnerde chez Microsoft), quelques chiffres chocs (20% des habitants consomment 80% des richesses ou encore un américain consomme 30 fois plus qu’un indien) et on termine par un take-away-message.

Et c’est bien là que le bas blesse !

Soit ce film fait preuve d’une magnifique ironie (comme le laisse supposer quelques séquences, comme la reconstitution de la vie des hommes des cavernes illustrant et tournant en ridicule les propos extrémistes de John Zerzan dont la solution à la surconsommation est le retour à l’âge de pierre), soit il est une incitation à la violence et un remarquable manque de confiance en l’humanité à qui il montre bien peu de respect.

Si le film se veut ironique, c’est loin d’être évident et seule une élite pourrait éventuellement percevoir le réel message. Dès lors, on est en droit de se demander l’intérêt d’un tel film. D’autre part, ce léger parfum ironique ne pourrait être qu’un moyen de défense pour camoufler le but réel de ce film, à savoir faire passer le message qui transpire au premier degré : seule la violence et la destruction sont des solutions pour lutter contre la société de consommation.

Dans ce cas, Surplus apparaît comme une version documentaire de Fight Club avec John Zerzan débitant ses vérités à la manière de Dantec dans le rôle de Tyler Durden (en beaucoup beaucoup moins sexy, il faut le reconnaître).

Le problème est que le discours est beaucoup trop blanc/noir. La société de consommation vous abreuve de publicité et de propagande pour vous " pousser à consommer ". Vous êtes une pauvre victime impuissante et passive, que l’on " force " et c’est la " force d’inertie qui le (ce monde) fait avancer. "

Bref, vous êtes totalement dépourvu d’esprit critique ou de liberté de choix et toute la faute en revient á la société de consommation. C’est elle qui vous pousse à consommer, qui détruit la planète, etc. Vous n’avez aucune responsabilité puisque vous n’êtes que des marionnettes.

Par conséquent, la seule réponse possible est de répondre par la violence et la destruction. La seule manière de protester est d’entamer la guerre !

Je ne peux en aucun cas cautionner un tel message !

S’il est très plaisant en tant qu’outil pour une œuvre de fiction (comme dans le roman de Chuck Palaniuk), il est absolument inacceptable dans la réalité.

Il est trop facile de blâmer notre société pour nos choix. Il est trop facile de détruire plutôt que d’éduquer.

Par exemple, ne serait-il pas plus efficace d’apprendre l’esprit critique plutôt que de détruire tous les publicitaires ?

La solution ne peut pas venir de la régression et la destruction mais bien de la l’évolution vers un système viable, durable et surtout réaliste.

Il est tout à fait possible, avec un minimum d’éducation, de bon sens et d’esprit critique, de bien vivre dans la société de consommation, d’être heureux sans pour autant succomber aux mirages que l’on fait miroiter devant nos yeux. Notre meilleure arme contre ceux qui veulent nous pousser dans la mauvaise direction est la prise de conscience et la réaction individuelle, pas le cocktail molotov.

Mais comme souvent, par un procédé hyper-ironique, la leçon que l’on pourrait tirer de ce film très bien fait mais faisant passer le mauvais message, c’est que ce qui est beau, séduisant et efficace n’est pas nécessairement vrai !

Une première étape vers le développement de l’esprit critique !

Pour vous faire votre idée ou comme travaux pratiques, voir :

Ces travers sont exacerbés lorsque je tombe sur des gens comme moi.

Je me suis retrouvé dans une situation semblable lors d’un passage éclair à Paris et quelques nuits passé chez monsieur et madame Costes. Ces deux discrets passionnés de cinéma possèdent une collection à la mesure de leur culture cinématographique et le temps d’une après-midi, je me suis retrouvé à accumuler une série impressionnante de films selon le rituel suivant :

• EUX : " Tu connais XXX ? " (1)
• MOI : " non… "
• EUX : " tu dois voir absolument !!! "

Et pan, il me mettait un film dans les pattes.

Depuis, j’explore au petit bonheur la chance et c’est ainsi, que mon regard innocent est tombé sur Citizen Toxie : The toxic avenger IV.

Et je n’ai qu’une chose à dire : oh… mon… Dieu !

La façon la plus simple de décrire Citizen Toxie est de dire qu’il pourrait s’agir d’un épisode de South Park poussé à l’extrême et tourné en film. La réalisation est approximative, le scénario est (sciemment) bourré d’incohérence, les acteurs sont très moyens, c’est pipi-caca, cru, gratuitement violent et gore, bête et méchant, vulgaire, et j’en passe et des meilleures.

Pourtant, c’est incontestablement drôle et derrière la stupidité et l’anarchisme affiché se cache de réelles graines de grandeurs et de vraies idées intelligentes. Une forme d’hyper-ironie qui cache une réelle intelligence créatrice.

Mais pour arriver à ce niveau, il faut une combinaison d’ouverture d’esprit et d’indulgence qui n’est pas à la portée de tous. Une sorte de paradoxe ultime puisque ce nanar volontaire et ultra-simpliste est alors réservé à une élite, ce qui pourrait expliquer son succès !

Il faut quand même savoir qu’au delà du navet, ce film fait l’objet d’un véritable culte depuis la sortie du premier volet en 1985. Outre ses 3 suites, le personnage de Toxie a été décliné à toutes les sauces : une série animée (The toxic crusaders) télévisée, un comics (produit par Marvel), un roman et même une allusion dans un épisode des Tiny Toons (Plucky devient le Toxic Revenger pour lutter contre la pollution).

Ces films sont d’ailleurs devenu la référence dans le catalogue de la maison de production Troma, spécialisée dans les films de séries B, mais se proposant comme une réelle alternative au cinéma hollywoodien au moyen de production réellement indépendantes, anarchiques et parfois créatives et surprenantes.

Au niveau de l’histoire, tout est résumé dans les 30 premières secondes du film. Melvin Junko, un homme de ménage gringalet qui travaille dans le club de gym de Tromaville, est sujet à toutes les moqueries. Un jour, suite à une plaisanterie qui tourne mal, il tombe en collant et en tutu, armé de son fidèle balais, dans un fut contenant des produits hautement toxiques.

Il se transforme alors en une créature hideuse à la force surhumaine, le toxic avenger (Toxie, pour les intimes), et connaîtra enfin l’amour de ses semblables en défendant à grand coup de force bestiale et sanglante, la veuve et l’orphelin. Il est accompagnés par une série de personnages secondaires que la décence m’empêche de décrire ici.

Dans le quatrième volet (qui fait suite à The toxic avenger I et II, et The last temptation of Toxie), une explosion dans une école pour enfants retardés projete Toxie dans une autre dimension. Il se retrouve alors à Amortville, antithèse de Tromaville et est remplacé par son double maléfique.

Pour être tout à fait honnête, je ne conseillerais ce film a personne (ou alors à certains individus triés sur le volet) sous peine d’être catalogué psychopathe. Difficile de justifier un tel personnage, caricature du super héros, et de tels films. Pourtant, ceux qui gouttent à la forme la plus extrême d’ironie et qui ont l’estomac bien accroché apprécieront (oui, Chuck.Nhorus, je parle de toi !)

(1) Tiens, une note, cela faisait longtemps. Juste pour signaler que XXX est utilisé ici comme terme générique pour un film qui m’était inconnu et que cela n’a rien à voir avec le film avec Vin Diesel et encore moi d’éventuels films à caractère pornographique.

Surpris, j’ai feuilleté le volume pour essayer de faire le rapprochement avec le film écrit et réalisé par cet ancien Monty Python fin des années 80 et que j’avais été voir à sa sortie.

Et puis, petit pied de nez du destin, je suis tombé sur le DVD du film alors que j’étais de passage chez un ami.

Là, je n’ai pas résisté longtemps et je me suis replongé dans les aventures pythonesques d’Erik.

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Le cinéma s’est souvent penché sur le problème de la destinée, explorant le spectre entre Babe allant jusqu’au bout contre son destin funeste pour finalement démontrer qu’à cœur vaillant tout est possible et Monsieur Jack qui après une brève tentative pour changer sa vie devenue trop routinière arrive à la conclusion qu’il est vain de vouloir faire autre chose que ce pour lequel on est destiné.

De son côté, il semble exister une sorte d’amour incompréhensible entre l’humour nonsense et des vikings, des spameurs des Monty Python aux dieux vieillissants de Beau comme un aéroport de Douglas Adams.

Il était donc inévitable qu’un film combinant ces différents aspects voit le jour ! Et ce film, c’est Erik le Viking.

Erik, campé par un excellent Tim Robbins au regard allumé et préfigurant son excellent rôle dans Le grand saut, est un viking qui se pose des questions sur son mode de vie. Il est las des pillages et des rapines (sans parler des viols dont il ne maîtrise pas encore toutes les subtilités) et cherche un sens au raisonnement circulaire qui préside aux expéditions de son peuple.

Il décide alors de se lancer dans la quête de la corne qui lui permettra de mettre fin à Ragnarok, l’âge de la guerre, en allant à Asgaard, la demeure des dieux. Mais la guerre profite à certains (dont le flegmatique et cruel Halfdan le noir joué sans trop de conviction par l’ancien camarade John Cleese) et ils ne voient pas d’un bon œil la fin des combats.

De nombreuses aventures rocambolesques et absurdes attendent le jeune Erik donnant lieu à des scènes truculentes et des dialogues savoureux inspirés de la mythologie viking (ne citons que la terrible insulte : " ton pére est mort de vieillesse ").

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Quand on regarde un film de Terry Jones, il est impossible de ne pas faire le rapprochement avec les films des Monty Pythons pour lesquels il a souvent été derrière la camera, ainsi que les films réalisés par les autres Pythons après leur séparation (principalement Terry Gilliam ou John Cleese). D’autant plus que Erik le viking était censé être un projet des Monty Pythons qui a été avorté suite à la disparition de Graham Chapman.

Erik le viking se trouve à mi chemin entre les films des Pythons (pour certaines scènes délirantes et totalement absurdes, ainsi que les dialogues surréalistes) et ceux de Terry Gilliams (pour l’univers merveilleux de pacotille… les effets spéciaux étant particulièrement kitsch qui rappelle pour certains aspects ceux que l’on retrouve dans Le baron de Munchausen ou Fisher king de Gilliams). S’il y a quelques très bonnes idées, le film n’arrive pas à atteindre le degré d’universalité qui a fait le succès de Un poisson nommé Wanda de John Cleese mais reste un spectacle plus que distrayant pour les amateurs des Pythons.

Sinon, certains pourront goûter au génie de Terry Jones en tant que visionnaire et qui a su symboliser notre attitude face aux changements climatiques bien avant que cela ne soit à la mode. Ainsi, quand suite à la méchanceté de Lokki, l’île de Hy-Brasil est engloutie par les flots, le roi Arnulf (interprété par Terry Jones lui-même) et ses sujets, font semblant de rien et continue de chanter comme si de rien était (" Everyone stay calm! This is not happening! ") avant de se faire submerger par les eaux.

Bien entendu, ceci est complètement idiot… et donc Terry Jones serait fier de moi !

Le dernier en date, A scanner darkly, présente une originalité. C’est au tour des cinéphiles d’être plus critique et de reprocher au scénariste et au réalisateur d’avoir fait un film " trop proche " du roman.

Si j’ai lu quelques romans de Dick, je n’ai pas lu celui qui a inspiré A scanner darkly, yet, comme dirait les anglophones. Dès lors, ma perception du film a été naïve et non teintée d’une quelconque attente.

L’histoire reflète une des obsessions de son auteur : la drogue qu’il a consommé en abondance et ses conséquences sur la vie des consommateurs. Le film n’est absolument pas moralisateur et essaye plutôt de donner une vision alternative de l’altération de la perception due à la consommation de stupéfiant.

Pour cela, il utilise une astuce visuelle qui apporte une autre dimension au film : le rotoscoping.

Après le tournage avec de vraies acteurs, chaque image a été retouchée pour lui donner un aspect de dessin-animé. Cela a ensuite permis d’ajouter ou de modifier la réalité (du moins ce que l’on nous présente comme tel) pour simuler des crises de manques, des altérations du monde, etc. Le spectateur oscille alors entre rêve et réalité et plonge tête la première dans des scène parano-délirantes.

On voit donc le monde avec les yeux d’un drogué et ce drogué n’est autre qu’un policier infiltré dans un petit groupe de consommateur dans le but de remonter la filière de la nouvelle Drogue D qui rend dépendant à la première prise et dont personne ne connaît l’origine (on suppose l’action de narco-terroristes).

L’histoire se déroule dans notre futur proche, dans un système paranoïaque qui sent bon la délation et qui n’a que trop de parallèle avec ce que l’on peut voir apparaître outre Atlantique sous la gouverne de Bush. 20% de la population est accroc à la dope et la seule alternative semble être la société New Path qui travaille a la désintoxication des utilisateurs. Mais bien entendu, le message est clair dès la première image : les choses ne sont pas ce qu’elles paraissent !

La grande originalité est que suite à des systèmes de brouillage d’identité, les supérieurs du policier ignorent son identité et comble de l’ironie, lui demande de se surveiller lui-même. Ajoutez à cela le fait qu’il consomme pas mal de son côté et cela donne un beau voyage en schizophrénie avec pas mal de rebondissement à la clé.

Un peu comme le passage du muet au parlant à remodelé le jeu des acteurs, le rotoscoping impose un jeu complètement nouveau aux acteurs. Ceux-ci se doivent d’être beaucoup plus expressifs pour être convainquant.

Une fable d’actualité, qui pose un regard lucide sur notre monde, la limite entre la surveillance pour la protection et la perte des libertés individuelles, et qui n’est jamais moralisatrice (la notion de bien et de mal y est d’ailleurs plus que floue). Mais comme pour remettre les pendules à l’heure, le film se clôture sur un générique macabre, une liste d’amis de Phillip K Dick qui ont subit les ravages de la drogue : des accidents cérébraux à la mort.

Surtout qu’il a fait un sacré potin à sa sortie Marie-Antoinette ! Imaginez un peu ! De la musique moderne à Versailles ! Pourquoi pas de la musique pop dans un western (quoi, Young guns ?), Beethoven joué version electro (vous avez dit Orange mécanique ?) ou Nirvana au Moulin rouge ?

Bien après la bataille, j’ai enfin visionné ce film sur la vie pseudo-rock’n’roll de la petite princesse quasi-sans-tête devenue reine.

Et beaucoup de bruit, certe, mais beaucoup de bruit pour rien !

Le film est très bien fait et on reconnaît la patte de Sofia Copolla dans de nombreux plans, la reconstitution est magnifique. Le total décalage entre la vie à Versailles et la dure réalité du peuple français est illustré par une seule facette de la situation : celle de l’excès, de la décadence, de l’irréalité, de la gamine pourrie gâtée qui s’ennuie dans sa cage dorée loin des considérations de tout un chacun.

Si c’est une critique métaphorique de notre monde actuel, elle est ennuyeuse et n’atteint certainement pas son objectif. Qui pourrait s’identifier à ce personnage exaspérant qu’est Marie-Antoinette teintée de cette image de la femme délaissée par le grand homme que l’on retrouve comme un leitmotiv dans le travail de Sofia.

Pour revenir brièvement sur quelques scènes anecdotiques qui sont anachroniques (en particulier la scène de bal qui ressemble plus à une soirée d’aujourd’hui qu’à une fête de l’époque), elles sont inutiles et ne semblent être là que pour donner au film le cachet qui lui manque. Comme du sexe gratuit pour tenter de réveiller un spectateur endormis.

Marie-Antoinette peut se regarder comme une sorte de reportage racoleur mais passablement ennuyeux et sans intérêt.

" It’s ridiculous… It’s Versailles ! " ou " It’s Marie-Antoinette "

P.S : Si cette critique est si négative, je dois dire pour la décharge de ce film que ma fille a ruiné sa chambre à grand coup de vomi alors que je le visionnais. Difficile de garder un esprit positif dans de telles conditions ? Je n’aurais pas du lui proposer un dernier petit chocolat à la menthe…

Parce que Tarrantino est un passionné et elles sont loin des canons que l’on attendrait d’un petit génie. Il aime les genres que certains trouvent mineur, western spaghetti, films de kung fu ou de zombie, séries Z, etc. Il possède un réel sens de l’humour, un génie pour le dialogue et surtout une réelle créativité technique et visuelle.

Au final, les films sur lesquels il travaille ne peuvent laisser de marbre, qu’il soit derrière la caméra ou non. De Reservoir Dog et Pulp fiction qui l’ont élevé au panthéon des réalisateurs de sa génération en passant par Natural Born Killer, True Romance ou encore le culte Une nuit en enfer.

Son nom en est devenu un label de qualité : " Quentin Tarrantino présente… "

Bien entendu, tous ses films ne possèdent pas la petite étincelle qui le rend inoubliable et sa carrière est-elle aussi jonchée de demi succès.

Alors quand j’ai entendu les critiques de Kill Bill, souvent présenté comme une film de série B de qualité, je ne me suis pas précipité sur les DVD à leur sortie (même si j’avoue que cette image de la belle Uma Thurman rappelant Bruce Lee alors que vêtue de jaune et portant un katana à la main avait de quoi me tenter).

Ce n’est que récemment que les deux films sont tombés accidentellement entre mes mains et qu’un midi, alors que j’étais seul á la maison pour la pause repas, j’ai décidé de regarder le début du volume 1.

Contre toute attente, je suis resté scotché à mon fauteuil et n’ai pas pu décrocher mon regard avant la fin du premier film (et ainsi raté le début de l’après-midi au boulot, un des avantages de pouvoir faire ses propres horaires).

Kill Bill est un concentré de cliché (ou de référence ou d’hommage, selon le terme que l’on veut employer). Tous les classiques et les stéréotypes de certains genre y passent : films de kung fu, de vengeance, même de zombies, westerns, mangas, jeux vidéos, et j’en passe et des meilleurs. De nombreuses scènes sont largement inspirée de classiques, des films de Bruce Lee à ceux de Sergio Leone.

L’histoire est du classicisme à pleurer : un héros (enfin, une héroïne dans ce cas-ci), revient d’entre les morts pour assouvir sa vengeance envers celui qui fut autrefois son ami mais l’a ensuite trahi. Pour atteindre son but, il devra passer par une série de combat de difficulté croissante avec ses flots de sang. Ce héros a bien entendu une formation hors du commun qu’il a hérité de maîtres vivants dans des contrées exotiques (et que l’on revoir régulièrement sous forme de flash back, à la manière de Kung fu, ce qui rend la présence de David Caradine au casting plus qu’une coïncidence, tout comme celle de Sonny Chiba).

Mais ce qui fait certainement la différence, outre les innombrables côtés familiers qui procure au spectateur sensible un délicieux frisson de déjà vu qui le fait évoluer en terrain connu, c’est la recherche visuelle et dans le montage. Tarrantino semble utiliser pour ce film toute la batterie de ses moyens techniques : montage créatif, alternance de différents médias (noir&blanc, couleur, dessin animé, multi-écran, ombres, etc.) mais sans gratuité ; à chaque fois pour jouer avec notre sensibilité.

Avec ce film, il est clair que le réalisateur utilise sa renommée pour se faire plaisir et c’est terriblement communicatif. Certaines scènes sont délicieusement excessives et le second degré se cache au détour de chaque scène sensible, de chaque surprise.

Kill Bill est certainement un cas d’école et pour le spécialiste, il y a de quoi remplir de nombreuses pages. Pour l’amateur de cinéma naïf comme moi, de quoi passer un moment inoubliable !

Bien après la tempête, j’ai vu la trilogie du seigneur des anneaux de Peter Jackson ! Et assez étrangement, après 9 heures de films, j’ai assez peu de chose à dire !

Il faut dire que ma relation avec l’œuvre de Tolkien est assez chaotique. Je sais que ses romans sont l’objet d’un véritable culte et plusieurs fois, j’ai essayé de me farcir les 3 volumes de sa trilogie la plus célèbre mais immanquablement, à chacune des 3-4 tentatives, je décroche au milieu du second tome (Les deux tours).

La chose est pourtant rarissime. Je suis plutôt de ceux qui s’accrochent et les livres que j’ai laissé tombé se compte sur les doigts de la main (je tente régulièrement de lire L’œuvre au noir de Marguerite Yourcenard sans succès et plus récemment j’ai laissé tombé Grande jonction de Maurice G Dantec). Mais il arrive toujours un moment dans Le seigneur des anneaux où je m’ennuie, de cette histoire et de ces personnages à rallonge, de ce style narratif qui a pris la poussière sans garder le charme de la nostalgie (tout comme Narnia, soit dit en passant).

L’adaptation au cinéma fut dès lors une aubaine pour que enfin je puisse savoir comment se termine cette histoire : est-ce Frodo et Sam allaient pouvoir détruire l’anneau et réduire à néant les pouvoirs de Sauron ?, quelle serait l’issue du combat entre le humains et les orcs ?, etc.

J’avais bien vu la version animée adaptée en 1978 mais elle ne concernait que le premier volume et ne m’était pas d’un grand secours. Je me suis donc précité dans les salles en 2001 lorsque la version de Peter Jackson de La communauté de l’anneau est sortie.

Force m’a été de reconnaître que ce film est terriblement bien fait, très impressionnant, et pour ce que j’en sais, respectueux du texte de Tolkien. Pourtant, il n’a rien éveillé en moi de plus que lors de mes précédentes expériences avec Le seigneur des anneaux.

Je n’ai donc pas ressenti la nécessité d’aller voir les deux suites, ni ne me suis précipité sur les DVD à leurs sorties. Je me suis contenté de regarder avec beaucoup de détachement l’engouement provoqué par ces films sans réellement le comprendre.

Enfin, j’ai eu les trois films entre les mains et me suis décidé à les regarder. J’ai apprécié les 3 opus mais, à nouveau, sans réelle passion.

Au moins, maintenant je comprend pourquoi ces films ont été un tel phénomène de société. Cette trilogie est aux années 2000 ce que celle de Star Wars a été pour ma génération. Elle est en parfaite phase avec son temps, alliant les grands thèmes classiques avec en bonus une belle métaphore de ces problèmes écologiques qui sont au centre de l’actualité. Le tout est mené d’une main de maître par Peter Jackson et les films sont particulièrement réussi avec des scènes jamais vues (sauf peut-être en BD avec des œuvres de l’excès comme Les chroniques de la lune noire).

De quoi donner des références, des modèles à une nouvelle génération qui peut bien se moquer de la naïveté et du kitsch des références cinématographiques qui sont miennes.

Mais qui sait si dans une vingtaine d’année, après avoir ressorti plusieurs versions director’s cut remasterisée, Peter Jackson ne réalisera pas une nouvelle trilogie inspirée du Silmarion ou des aventures de Bilbon et nous menacera ensuite d’une série de plus de 100 épisodes faisant le lien entre les deux trilogies.

Quoi qu’il en soit, je peux cocher " voir le seigneur des anneaux " sur ma liste de choses à faire !

Mais le mot ‘navet’ est aussi associé à l’art de mauvaise qualité depuis le 19e siècle, probablement suite à son goût insipide.

" Un navet! tous répétaient le nom avec conviction, ce mot qu'ils jetaient d'habitude aux dernières des croûtes, à la peinture pâle, froide et plate des barbouilleurs ", comme disait Zola, ou " Ce navet inouï, Théodora, où l'on chantait dans la coulisse, en l'honneur de l'impératrice débauchée, et même débouchée ", disait Daudet.

Son association au cinéma date elle de 1956 : " Et vous en faites un autre [film] (...) on a annoncé cela dans les journaux (...) un autre qui va être aussi un navet " sous la plume de Vialar.

Maintenant que nous savons de quoi nous parlons, comment trouver ce que le cinéma a fait de mieux comme Navet ?

Pour cela, rien de tel que d’ouvrir sa bible virtuelle du cinéma, j’ai nommé Internet Movie Database, et chercher ce qu’elle a à nous proposer à l’onglet ‘navet’.

Tout d’abord, un court métrage réalisé en 1976 et pompeusement intitulé ‘Le navet’ par un réalisateur au nom prédestiné : Maurice Lemaître (ce qui ne semble pas lui avoir réussi puisqu’il ne réalisera plus rien avant 2001… il faut pas mal de temps pour ce remettre d’un tel navet).

Le navet ne semble pas porter chance non plus de chance à Eric Navet, célèbre cavalier francais, dont la carriére au cinéma se résumera à jouer son propre rôle dans la série ‘Le cheval olympique’ en 2004.

Les choses ne semblent pas être plus rose pour les navets anglo-saxons (que l’on peut traduire par ‘turnip’) puisque les contributions de Woody et David Turnip au cinéma se résume à un film chacun (dont l’excellent ‘The ninja mission’ en 1984).

Plus sérieusement (et encore…), voici la liste des 100 films les plus mals côtés sur ImDb :

Vous y retrouverez des perles telles que : Gigli avec Ben Affleck et Jenny Lopez, Glitter avec Maria Carey, une des suites des Dents de la mer, ou encore Battlefield earth avec Travolta, financé par la scientologie et écrit par son père, Ron Hubbard.

Mais il est certains que le pire est encore à venir…

Non, la carriére de Brad Pitt n’était pas liée au hasard, pour celui qui possède le code, il y a un message ésotérique caché !

Tel le savant obsessionnel dans Pi, je me suis mis en quête de l’équation de la destinée, la suite de chiffre qui comme dans Lost me mennerait à la follie.

En effet, les chiffres sont partout dans la carrière de Brad Pitt et pas seulement dans Troy (©Raymond Devos).

Faisons quelques arrets sur certaines apparitions clés de sa carrière:

Une apparition non créditée dans ’Less Than Zero’ (1987) suivit de participation occasionnelles dans les feuilletons ’Thirtysomething’ (1987), ’21 Jump Street’ (1989), ou encore le téléfilm ’Two-Fisted Tales’ (1991).

Vous ne voyez toujours pas où je veux en venir ? Continuons…

Ensuite, c’est le succès et une succession de cartons au box office: ’Se7en’ (1995), ’Twelve Monkeys’ (1995), ’Seven years in Tibet’ (1997).

Une apparition dans la série Friends en 2001 dans l’épisode ’The One with the Rumor’.

Ensuite retour au cinéma: Ocean’s eleven (2001), Sinbad: Legend of the Seven Seas (2003) dans lequel il fait une voix, ’Ocean’s twelve’ (2004) et ’Ocean’s thirteen’ prévu pour cette année.

Toujours pas ? Tous ces titres contiennent un chiffre et si on les mets les uns derrières les autres, cela donne :

0 30 21 2 7 12 7 1 11 7 12 13

A partir de là, tout est facile. Une chose saute immédiatement aux yeux: le 7 revient trois fois. Sachant que les lettres les plus fréquemment utilisées en anglais sont le e, le t et le a, il est alors facile de décoder cette séquence de chiffre. C’est finalement la clé basée sur le ’a’ qui donne des résultats (7=a, 8=b, etc.) et la séquence de chiffre devient alors :

txovafaueafg

qui est bien entendu l’anagramme de:

A VAGUE FAT FOX

que l’on pourrait traduire par "Un vague renard gras".

Et là, j’avoue que je cale.

Quel est le but de ce message si astucieusement caché ? Il s’agit indubitablement d’une mise en garde face à quelques terrifiants événements à venir, mais encore ? L’expression ‘Fat Fox’ a bien été utilisée pour désigner Georges Bush senior mais encore ?

Si quelqu’un pouvait m’aider dans ma quête de la vérité avant que les chinois de FBI ou les gentils monsieur en tabliers blancs viennent me passer mon pijama à manches qui ferment dans le dos, je lui en serais infiniment reconnaissant.

Cette petite question qui englobe le rôle du cinéma fait partie d’un débat sans fin.

Doit-il secouer les consciences ? divertir ? être esthétique ? faire réfléchir ou rapporter de l’argent ?

Le cinéma est bien entendu capable de faire tout cela, peut-être pas simultanément, mais certains films sont là pour rapporter de l’argent (prendre n’importe quel blockbuster), réfléchir (l’excellent Babel en est un bon exemple), être esthétique (les films des frères Coen) et même secouer quelque consciences.

Ainsi certains films se veulent porteur d’un message et les enfants sont certainement le meilleur public cible si votre objectif est de faire changer les choses, ce sont eux qui sont porteur de graines du changement de demain.

Cela les réalisateurs et producteurs l’ont bien compris et c’est pourquoi, depuis quelques années, on assiste à une recrudescence de films pour enfants avec un message écologique.

Bien entendu, l’impact destructeur de l’homme sur la nature est une préoccupation aussi vieille que le cinéma lui-même mais du chemin a été parcouru depuis Frankenstein ou encore La créature du lagon noir dans lequel on voyait une scientifique jeter négligemment une cigarette dans les eaux cristallines d’un lagon amazonien. La crainte associée aux changements climatiques si visible aujourd’hui entraîne une recrudescence de films à messages destinés à la jeunesse : Ice age (1&2), Over the edge, La marche de l’empereur, Le monde de Némo, Happy feet, etc.

On notera cependant le retard du cinéma occidental puisque le thème de l’écologie fait partie intégrante du cinéma japonais. Le génial Miyazaki a déjà exploité le thème de la revanche de la nature sous différentes formes, par exemple dans le très réussi Princesse Mononoke.

Si tous ne semblent pas atteindre le but (Le monde de Némo a entraîné une recrudescence de la vente de poissons clowns plutôt que le contraire, quelle ironie), certains sont utilisés par les activistes écologiques pour supporter leurs actions.

Ainsi, certains défenseurs de la nature surfent sur le succès de films comme Happy feet ou La marche de l’empereur et la pingouinmania qui s’ensuit pour sensibiliser le grand public aux problèmes de surpeche et de changements climatiques ainsi que pour appuyer leurs demandes auprès des politiques. Ainsi, le ‘Centre for Biological Diversity’ a demandé la protection d’une douzaine d’espèces de pingouins suite à la sortie de ces films.

Finalement, la meilleure façon de changer les esprits n’est-elle pas de divertir ?

En punissant l’arrogance de l’homme qui avait la prétention de croire qu’il pouvait toucher les cieux, le Dieu vengeur de l’ancien testament ne s’est pas contenté d’inventer les différentes langues. Il a détruit notre capacité à communiquer les uns avec les autres.

C’est le thème central de Babel, le dernier film de Alejandro González Iñárritu avec une brochette d’acteurs des 4 coins du monde (dont la présence remarquée de Brad Pitt marqué par la douleur).

Le spectateur y est ballotté entre plusieurs histoires : une famille marocaine qui achète un fusil, dans le même pays un couple de touriste dont la femme prend une balle perdue, une jeune japonaise sourde et muette et enfin une nounou mexicaine qui s’occupe de deux enfants américains et qui part avec eux pour le Mexique pour assister à un mariage. Quatre histoires qui semblent qui n’ont rien en commun mais sont pourtant connectées, parfois par des liens subtils ou sans importances que le spectateur découvre par des petits détails au fil de sa vision, et montrant au final que nous tous connectés les uns aux autres.

Mais c’est bien la communication ou l’impossibilité de la communication qui est le héros de ce film : la différence entre les cultures et la distorsion que cela apporte (l’interprétation paranoïaque des certaines événements par les américains en est une belle interprétation), les différences de langage, le handicap qui isole (magnifiquement illustré par une scène dans laquelle la jeune japonaise se retrouve dans une boite de nuit), etc. Mais c’est surtout cette incompréhension fondamentale qui va au delà de la culture et du langage qui est mise dramatiquement en avant. Ce problème de communication qui fait que l’on ne connaît même pas son voisin de pallier, que l’on ne remarque même pas les problèmes de ses proches ou que les pires querelles sont celles de voisinages ou familiales.

Dans une certaine mesure, Babel s’attaque aussi à l’effet papillon et au hasard. Ainsi, certains de nos actes qui semblent anodins ou insouciant peuvent avoir de terribles répercutions, quoi que l’on fasse et sans pour autant que l’on en soit conscient ou que l’on en porte la responsabilité.

Ce film, métaphore cinématographique et arachnéenne de la diversité humaine, est complexe à plusieurs points de vue et prend littéralement aux tripes. On y passe par tous les niveaux de diversités, de l’individuel à l’universel, de culture en culture, de langue en langue, d’individu en individu. Le tout est filmé avec beaucoup de simplicité, de non-dits et de pudeur, sans jamais sombrer dans la dramatisation à l’excès, donnant un film un étrange sentiment de réalité.

Mais le message final est loin d’être pessimiste.

Il nous montre que si lors de l’épisode de la tour de Babel, Dieu à divisé les hommes, il n’a pas pu leur enlever leur humanité pour autant.

Si nous ne pouvons prétendre les autres cultures, s’il est impossible de comprendre les autres langages, si parfois notre voisin de pallier est un inconnu, dans certaines situations, souvent les pires ou les plus extrêmes, nous redevenons simplement des humains et l’incompréhension ne peut empêcher deux étrangers de s’interconnecter l’un à l’autre dans une parfaite symbiose autour de sentiments aussi basique que la compassion, l’empathie ou l’amour.

Tiens, étrangement, un autre acteur se fait remarquer par son absence : l’ordinateur et ses réseaux, censés interconnectés les hommes par delà les frontières et les distances ; comme pour nous montrer que la vrai solution n’est pas virtuelle et que les vraies relations ne peuvent naître qu’en plongeant ses mains dans la boue.

Un voyage troublant dans ce qui fait notre humanité et un message d’espoir. Un film à 100 lieues de la bouillie hollywoodienne formatée que l’on nous sert habituellement en Amérique.

De plus, la perspective de voir ce film destiné avant tout à la jeunesse dans l’ambiance survoltée d’une salle remplie d’enfants m’a toujours enthousiasmé.

Je me suis donc rendu à la séance de l’après-midi pour découvrir avec stupéfaction que la salle était vide, les nombreux enfants qui peuplaient pourtant les couloirs du cinéma ayant été happés par la tornade commerciale bessonienne de Arthur and the minimoys (en français, Arthur et les minimoys, on saluera le travail sans tache des traducteurs).

Avant que je commence ma projection privée de Flushed away, j’ai eu droit aux bandes-annonces des films pour enfants du moment (bien entendu Arthur du Besson mais aussi Franklin et les pingouins de Happy Feet) ainsi que les traditionnelles publicités. Pour la petite histoire, il est intéressant de constater que si les bandes-annonces sont adaptées au public, il n’en est rien pour la pub. Les enfants sont abreuvés des mêmes publicités que les adultes, avec son lot de violence, de connotations sexuelles omniprésentes ou encore de peur (par exemple, la très bonne pub de MSF de sensibilisation sur la problématique du SIDA qui est passablement effrayante).

Et puis, enfin, le film a commencé !

Les premières minutes sont passablement effrayantes. On est loin de la subtilité qui caractérise les autres films des studios Aardman. C’est très rapide, très rock’n’roll, entre Pixar et Disney. Mais après ce feu d’artifice, on retrouve progressivement l’esprit qui a fait le succès de Wallace & Gromit et de Chicken run, un humour décalé, ultra-référencé et soooo british.

L’histoire est toute simple, une souris domestique londonienne passablement maladroite se retrouve dans les égouts et y découvre une version souris de Londres. Commence alors un long voyage pour tenter de remonter dans le monde des hommes. Pour cela, elle devra s’associer avec la souris la plus sexy de l’histoire du cinéma (autre chose que Minnie et ses airs de Bécassine) avec des faux airs de Han Solo et pilotant une sorte de Millenium falcon aquatique et déjouer les plans machiavéliques d’un méchant mégalomaniaque qui n’a rien à envier à Jabba (si ce n’est une consternante passion pour la famille royale britannique et une association avec des grenouilles françaises).

Si le film est avant tout destiné aux enfants (il respecte la règle de Roald Dahl des 2 gags par minutes), il plaira également aux adultes avec ses nombreux niveaux de lecture. En effet, Flushed away est un vibrant hommage au film d’aventure avec des clins d’œils (on dit clins d’yeux ?) sans fins aux grands classiques du genre : Indiana Jones, La guerre des étoiles (chercher le vrai Han Solo), James Bond, etc. Le genre de film que l’on peut revoir indéfiniment et y redécouvrir à chaque vision les petits détails cachés (les pubs dans les décors, etc.)

Un film a voir très certainement, même si plus proche d’un Pixar époque Toy story que d’un Wallace & Gromit.

Certains sont anodins, d’autres sont déterminant, parfois on a conscience de leur importance, pour d’autres on le découvre a posteriori.

C’est par choix que je suis partit vivre sur une île perdue loin de toute forme de culture. Et à chaque retour au pays, je n’ai que quelques jours pour visiter les amis et que quelques rares occasions d’aller au cinéma.

Qu’allez voir en cette période de fête, sachant que ce sera peut-être ma seule occasion de vivre un film dans une salle encombrée et fleurant bon le pop-corn ? Faire dans le grand spectacle avec Eragon ou Casino Royale ? La comédie avec The holliday ou le dernier Besson Arthur et les Minimoys ?

Dans la vie tout est question de choix et c’est un film sur les choix qui va trouver ma différence.

Je suis allé voir The departed, le dernier film de Martin Scorcese, le jour même de sa sortie.

Et oui, c’était un excellent choix !

La formule n’est pas nouvelle, l’important n’est pas ce que nous croyons être mais ce que nous faisons.

C’est particulièrement vrai dans The departed, film choc dans lequel nous suivons les destins parallèles de deux jeunes recrues de la police, l’un, Leonardo Di Caprio, infiltré dans la ‘mafia’ irlandaise dirigée d’une main de fer par le toujours excellent et diabolique Jack Nicholson (qui n’est pas sans rappeler son personnage ambigu dans Les sorcières d’Eastwick); l’autre, Matt Damon, à la solde du parrain et espionnant pour son compte au sein de la police. Commence alors un chassé croisé des plus efficace, entre suspicion, faux semblants et trahisons, rythmé par les Stones ou encore The Pogue.

Résolument classique (le " bon " qui plonge tête la première dans les égoûts, le " méchant " qui joue la respectabilité et au final l’ambiguïté la plus totale et l’impossibilité de revenir en arrière, thème déjà exploité dans l’excellent Carlito’s way), ce film de genre n’en reste pas moins terriblement efficace et fait la différence sur plusieurs points.

The departed est le remake d’une trilogie tournée à Honk Kong, Internal affair, signée par Alan Mak et Andrew Lau, et devenue aujourd’hui culte. Présenté comme " un thriller psychologique comme en ferait Michael Mann ", il se transforme sous la patte de Scorcese en un de ces films bouillonnants, oscillant entre chaos, hyper violence et surprise que l’on suit avec passion sans pour autant avoir envie de le revoir.

La comparaison avec Michael Mann ne s’arrête pas là. Tout film qui évoque une rencontre au somment entre deux destins parallèles, entre flic et voyou, entre personnalités charismatiques du septième art, ne peut qu’être comparé au magnifique Heat de Mann qui avait réussi le tour de force de rassembler dans un même film deux des monstres sacrés du cinéma : Al Pacino et Robert de Niro. Mais là où Michael Mann avait réussi une magnifique symphonie rythmée par les détonations d’armes automatiques (faisant de la scène de fusillade une anthologie du genre), Martin Scorcese nous propose quelque chose de plus brut, de plus chaotique, de plus instinctif, nous rapprochant d’un morceau de grunge. Simple, classique, mais qui prend aux tripes et déborde d’énergie.

Outre la mise en scène, le film se démarque par un bestiaire particulièrement réussi ou chaque personnage secondaire est étudié avec soin. Les premières minutes du films sont d’ailleurs impressionnantes par la panoplie d’acteurs réunie pour l’occasion (outre le trio en tête d’affiche, on retrouve aussi des acteurs comme Alec Baldwin ou Marc Walberg). Tous les acteurs semblent donner le meilleur d’eux même et pour certains cela tient de la révélation, au point que l’idée selon laquelle Leonardo est le nouveau De Niro ressort du placard (alors que, soyons sérieux, le nouveau De Niro ne peut être que Sean Penn, si vous ne me croyez pas, allez revoir Mystic River).

Enfin, réunissez le tout dans le décors fabuleux du Boston révélé par l’œuvre de Dennis Lehanne et vous obtenez un film épique dont la trame n’a rien a envier à un roman de James Ellroy (le pesonnage interprété par Nicholson n’est pas sans rappeler celui de Dudley Smith dans Le quatuor de Los Angeles).

On regrettera peut-être la fin un peu trop manichéenne, trop américaine, celle là même qui avait été modifiée lors de l’adaptation de L.A. confidential pour le rendre plus politiquement correct.

The departed n’est probablement pas un film qui résistera au passage du temps, mais bon Dieu, qu’est-ce que c’est bon !